當跨年夜絢爛的煙火漸漸散去后，人們匆匆收拾狂歡的余燼，開始準備投入2019的忙碌與瑣碎。眨眼之間，2018年就已經模糊得快要從記憶里清零了。
不過這幾年過得的確太快了，每個人生活的片刻朝夕都被信息洪流撕碎。如今，失去了數據統計功能的幫助，我們好像真的很難獨自回溯，自己最愛的歌手是誰，自己常聽的歌是什么風格。
在過去的這一年里，原創音樂仍然生生不息。但如果讓我在2018年的諸多唱片中挑一張，將流行性與自我表達平衡得最融洽的專輯，我會選擇李榮浩的《耳朵》。
這幾年以來，李榮浩的曝光度以肉眼可見的頻率不斷上升。無論是開演唱會的頻率，還是在諸多綜藝節目中出現的方式，他的歌手生涯都迎來了一個巔峰。但他也同樣面臨了每一個成名歌手都會面對的問題：如何在大眾與自我中進行割舍，創造聽起來痛快但保留個人色彩的作品。
《耳朵》就是他的答卷。
專輯的第一首作品《王牌冤家》，就奠定了他的態度。在采用了復古電子舞曲的風格作為基調后，李榮浩在編曲上聰明地利用了自己高超的吉他技巧，前奏就插入一小段solo，從而保證了個人特色和悅耳度的充分結合。
相比之前的作品，面對電子化的潮流，李榮浩也做出了一些嘗試。他把電子噪音放在鮮明的旋律下，作為鋪墊的同時，又插入了一段音質粗糙的主歌。這種調整強化了聽者的第一印象，也讓節奏可以先抓住人們的耳朵，再讓我們慢慢品味旋律的色彩。
除此之外，他也在編曲上做出了一些讓步。站在聽眾的角度，幾個簡單的電子音循環前進，相比旋律要更加明顯一些，而這也構成了聽感上的核心。這種重復性同樣體現在副歌的歌詞里，“忘了吧忘了忘了唄”，這又從另一個角度，為傳唱度打下了基礎。
作為整張專輯的第一首歌，《王牌冤家》承擔著勾起聽眾興趣的任務。在歌詞的立意上，李榮浩并沒有明確地確定一個清晰的核心，而是選擇揉碎細節，把凌亂的詞句展示在我們面前。比如“芒果冰/加了空氣變成綠色/像我們之間的臟話和情話,都毫無規則”，這更像是利用跳躍的表達，注重構建整首歌的情緒環境。
不同于廣為流傳的《年少有為》，《王牌冤家》的歌詞并不能在一字一句上給予聽眾直接的共鳴，也讓我們很難分享自己體會的情緒。歌詞創作上的短板，在整張專輯中仍然存在，這也桎梏了他在作品流行性上的進一步突破。
但在下一首歌，《念念又不忘》中，在韓寒的創作協助下，李榮浩得以專注地發揮自己在編曲上的才華。
進行復古風格的方式有很多，電子舞曲是一種，電子迷幻又是另一種。將迷幻深邃的音色貫穿始終后，主歌部分營造了一種略帶惆悵的音境，就像湖面上慢慢蕩開的波紋。而這種鋪陳，最適合表達追憶過去，懷念舊愛的情緒。
這也是李榮浩的選擇，他用低沉緩慢的聲線，描述一碗湯勾起的回憶與追問。
我們每個人都會因為生活中一件平凡普通的事，突然被翻涌的記憶吞沒，突然想起許多物是人非的過往，突然重新拷問自己那些無法回答的問題。生活的可能性永遠多于我們的選擇，沒有人能在平行時空中不斷跳躍，追逐那個最美滿的結局。所以我們只能黯然神傷，靜靜地注視這一碗湯，想起曾經一起來這的那個人。
副歌部分的鼓點用典型的藍調風格，沉默地陪伴著每個人的思念。
在這張唱片中，李榮浩仍然保留了一些自己的私心。他一直喜歡藍調搖滾，從他出道時期的專輯中就可見一斑。于是，《樂團》、《貧窮或富有》應運而生。這兩首歌的編曲處理就遵從藍調搖滾的特點，悠閑的旋律和輕松的唱腔，讓人不禁想起那些昏暗的小酒吧，迷醉的氣息游走在空氣里。
但他并未完全照搬過去自己早已習慣的風格。比如在《貧窮或富有》的結尾，電子化的音效帶給人一種繾綣的氣息，就像婀娜的少女舒展身姿。這種微小的突破能幫助他不在鎂光燈中迷失自我，而是靜下心來慢慢打造作品。
成名之后，總會有老粉絲遺憾音樂人的變化，嘆息他們從表達自我轉為迎合市場。有人認為這是墮落，有人認為這是必經的過程，也有人只想把自己沉醉的音樂藏在歌單里。
音樂人又何嘗不是呢？靜下來的時候，他們會不會想起過去隱匿在人群里的時光，他們會不會問自己：我的音樂究竟有沒有進步；我是不是還和原來一樣，愿意為了作品，偏執地死磕。
同樣有人這樣評價李榮浩。有人說他在第一張與第二張專輯之后，再也沒有形成大的突破了。后面的專輯中，再也沒有哪首歌超越了最知名的《李白》、《模特》與《喜劇之王》。曾經的老粉絲毫不留情地批評李榮浩變得浮躁。《嗯》的專輯文案上，“唱作大神”的用詞，就像一個巨大的諷刺。
在這樣的輿論環境下，《我知道是你》就是一首自我反思，自我回顧的作品。在這首歌中，李榮浩誠懇地解構內心，與過去默默無名的自己對話，回答他的質問。
相比這張專輯里其他的情歌，《我知道是你》有著恢宏的起承轉合。如同心跳的低音吉他，撐起了整首歌的空間。這種編曲處理，恰到好處地表達了每個人面對自我時的緊張與拘束。
直到第一段副歌結束前，歌聲外的編曲仍然沒有太大的變化。然而當那句“原來你，就是我”落下，在短暫的空白之后，所有的樂器全都轟鳴起來，音符填滿了整首歌的音域，這一刻的爆發也直接點燃了澎湃的感染力，情緒的浪潮撲面而來。
第二段主歌的編曲，仍然帶有鮮明的搖滾色彩。無論是急促的鼓點還是鋼琴和弦，都像一個無聲的答案。李榮浩像是在用這種方式回答諸多質問：流行很好，但搖滾才是我的初心。
“死去活來，終究沒有答案/生活原來，就像單曲循環”,這兩句歌詞，讓我想起了音樂人對作品的偏執。化用托爾斯泰的名言，音樂創作就是“成功的結果總是相似的，失敗的嘗試各有各的不同”。
在歌曲的結尾，所有的轟鳴戛然而止，開頭單調的低音吉他再度出現。伴著簡單的鋼琴和吉他，李榮浩堅定地唱出最后一句歌詞，就像給老粉絲們擲地有聲的承諾。
在整張專輯中，我個人最遺憾的作品就是同名曲《耳朵》。相比其他作品，這首歌太溫和了，溫和得甚至有些隨意。如果這是他的早期作品，我可以包容這首歌的平庸，但它出現在第五張專輯里，多少顯得有些不合時宜，無法印證他的音樂水平在慢慢進步。
于我而言，這首歌既沒有編曲上的新鮮感，他的個人風格也沒有得到足夠的體現。如果換一個人來唱這首歌，也許沒有人能體會到他創作過的氣質。作為一首與專輯名相同的作品，卻讓聽眾的期待有些落空，還是讓這張唱片多了些許不足。
但下一首《年少有為》，卻成了真正的驚喜。在出道首張專輯之后，李榮浩終于創作了一首可以媲美《李白》、《模特》的作品。
這首歌就像一個里程碑，在他的歌手生涯里刻下痕跡，證明他的音樂成長獲得了階段性的積淀。無論是在市場中的流行程度，還是個人風格的總結與表達，它都交出了讓人滿意的回答。
正如我在《王牌冤家》中的點評一樣，李榮浩的作詞仍然是他在音樂成就上的掣肘。但《年少有為》卻成了一大驚喜。
毫不夸張地說，這也許是他目前的作品中，作詞水平的巔峰。好的歌詞，從入耳的那一刻起，就已經走進聽眾的心理。
就像這首歌，許多簡單的詞句都以小見大地挑起人們的回憶。那句“可怎么去熬，日夜顛倒，連頭款也湊不到”，輕巧卻深刻地道出了無數男孩對未來的無力。“一碗熱的粥，你怕我沒夠，都留一半帶走”更是用一個平淡的細節，就喚醒了那些已經被埋在回憶里的甜蜜。
而這種深刻的筆力，恰恰是如今華語樂壇最稀缺的，真正觸動人們內心的力量。為什么李宗盛的《山丘》被如此廣泛地奉為經典？就是在于，無論是青年懵懂的高中生，還是在生活和家庭的夾縫中努力生存的中年人，都被某句歌詞直接擊中靈魂深處最柔軟的角落。
這首歌一定在某個瞬間，把每個人推回過去。盡管早已逆水行舟多年，可就是在某個獨自聆聽的深夜，我們再次直面曾經自己的倔強。而今回想時，對那時自己不夠溫柔的懊悔，已經無法細細敘說。心里的遺憾，最終只剩下了祝福。
年輕的時候，男孩執著于給女孩更好的未來，更優質的生活。可女生希望的，也許只是平淡的朝夕相伴。
多年以后，盡管各自都過上了不錯的生活，但當那個男孩隔著重重人群，再次深情地望著曾經的摯愛時，他才明白過去自己的無知。
他才會忽然意識到，自己錯過了一個多么純真可愛的女孩，自己是如何親手把彼此美好的生活，慢慢從親密無間，推向漸行漸遠。
心酸之時，他也只能多喝幾杯，讓酒精壓下淚水，讓時間慢慢吹淡愧疚與無奈。
毫不意外地，這首歌成了2018年的爆款作品，但我卻認可它所得到的贊美。它擁有所有值得傳唱的潛質，漸進而溫和的編曲，歌詞段落間精彩的吉他旋律，坦誠又溫柔的聲音，最終糅合在一起，帶個無數年輕人最直接的共鳴。
除此之外，在唱腔與聲線上，李榮浩的個人氣質也得到了完美的演繹。當歌手生涯來到第四個年頭時，他也應該有這樣一首作品，見證數年的努力與成長。
2018年的李榮浩，不僅參加了許多綜藝節目，登上跨年晚會的舞臺，在與商業片的合作上，他同樣取得了不俗的成績。
比如《成長之重量》，就是這樣一首優秀的電影片尾曲。層層遞進的編曲，輕松明快的旋律，貼合電影劇情的立意，體現了這首歌在制作上的成熟。
而《張家明和婉君》更像是他在這張專輯中的一次大膽嘗試。從歌詞上來看，他像是在結合民謠化的風格進行表達。而旋律和節奏，仍然是他最熟悉的藍調搖滾。
這種嘗試也許收效平平，卻仍然可以讓他走出舒適區，思索更加開闊的可能性。
正如我在前文所言，在2018年的原創唱片中，李榮浩的《耳朵》是非常值得肯定的一張。它或許不會在未來成為傳世經典，但在華語樂壇過去混亂的一年里，它已經在眾人挑剔的審美中，同行的襯托下，成功殺出重圍。
從民謠到嘻哈再到電音，這幾年大眾喜好的變化太快了。粗野發展的背后，藏不住的仍然是各大廠牌焦慮而急功近利的內心。在那些不夠精致和高級的音樂作品里，流行性仍然是一條不變的追求。可流行性真的就是聽眾渴望的嗎？
談及中國電影票房，宣發成本高于拍攝成本的電影比比皆是，許多嘗試把觀眾騙進一次電影院，毫不顧慮口碑崩塌，只想賺快錢的作品。好在它們最終也被市場詬病，無法被人寬容。
在可以預見的未來，大眾審美一定是在曲折中上升的。也許不是每個人都有高級的品味，但人們最終還是歡迎更優秀、更走心的作品，走進視野。
音樂環境也是一樣的。盡管我們無比遺憾世紀初那幾年真正繁榮的華語樂壇，盡管許多人仍然常常回味周杰倫、潘瑋柏、許嵩的作品，但這些絕不會成為曇花一現的焰火。
當人們真正用自己的喜愛做出選擇后，越來越多專注的音樂人一定會在沉默中浮出水面。
流行性是重要的，因為快速的時代注定缺乏耐心。但音樂性同樣不可忽視。行業內的各位太清楚如何在短短五分鐘內抓住聽眾的耳朵，那些編曲規律，工業化的處理，完全可以做到這些。
可在這之后，音樂人精心打磨的某些細節，才是真正讓人愿意單曲循環的原因。
在得到大眾的認可前，音樂人永遠要在不為人知的背后，一次又一次地尋找讓自己安心的答案。除了無聊乏味的死磕，到底有沒有捷徑可走呢？
當然有。那些情感表達空洞蒼白的流水線作品，就是例子。
但這是一個合格的音樂人想要的作品嗎？他們愿意把自己的名字放在作品的名字前嗎？有些人愿意，有些人不愿意。后者的偏執，就是李榮浩在《我知道是你》所說的“單曲循環”。
只有在不斷的練習中，真正的音樂人才會找到突破的機遇。而那個嘗試后，終于讓自己心滿意足的瞬間，就是最好的嘉獎。
縱然整張專輯仍然存在許多問題，但對于一個棲身于大廠牌下的原創音樂人來說，李榮浩仍然保留自己做音樂的真誠。在被流量明星帶跑偏審美的樂壇里，這已經難能可貴。
站在2019年的開頭，他的努力讓我重新開始憧憬。當國內獨立樂隊逐漸后繼乏力時，原創音樂或許會接過大旗，再度燃起刺激大眾審美的火種，在坎坷的道路上，繼續走下去。
